Catégorie « mais ça déchire ! »

Goose – Synrise
Genre : Electro-rock
Deuxième album des belges de Goose, tout aussi réussi que le premier. Toujours un mélange electro-rock hyper accrocheur, très efficace sur le dancefloor. Un regret toutefois : c’est trop court !
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Deftones – Diamond Eyes
Catégorie : Rock/Neo metal
Le néo n’a pas engendré que de la musique facile pour ado boutonneux. Les Deftones notamment ont sû sortir leur carte du jeu avec leurs intéressants premiers albums : Adrenaline, Around the Fur et surtout l’excellent White Pony. Après ça j’ai beaucoup moins accroché, jusqu’à cette année et ce Diamond Eyes, opus très direct et rentre dedans, en gardant cette mélancolie et ces mélodies entêtantes qu’on retrouvent dans White Pony justement.
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Pure Reason Revolution – Hammer and Anvil
Genre : Rock/Prog/Electro
L’année dernière ils avaient squatté la première place de mon top, cette fois ils baissent un peu, mais leur nouveau disque reste très très bon. Simplement, l’effet de surprise s’est un peu estompé puisqu’ils restent dans le même style. Avec peut-être un peu plus d’agressivité (ouch, cette claque dans la tronche qu’on se prend dès l’intro avec Fight Fire), ce qui ne fait jamais de mal.
Deezer
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The Dead Weather – Sea of Cowards
Genre : Rock/Blues-rock
Supergroupe composé de membres d’autres groupes de rock actuels (Alison Mosshart de The Kills et Jack White des White Stripes pour ne citer qu’eux) The Dead Weather avait livré un premier album plutôt sympathique l’année dernière, mais celui-ci est encore meilleur. La sauce semi garage-rock/blues rock prend bien, et ça nous donne un album très homogène et solide.
Deezer
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Boom Boom Satellites – To the Loveless
Genre : Rock/Electro
Groupe japonais connu chez nous notamment pour leurs participations à des B.O. d’anime (Appleseed et Xam’d Lost Memories entre autres), les BBS ont une carrière assez prolifique et intéressante. Ce To The Loveless est dans le style des précédents, les compos sont toutefois un peu plus longues (Back on my Feet) et intenses (Drain ou Lock Me Out).

Girl Talk – All Day
Genre : Bricolage
Un album de Girl Talk, c’est comme un gros blindtest où il faut s’amuser à reconnaitre les 40 morceux qui passent en cinq minutes. Un vrai mash-up géant qui dure tout le temps d’un album. Pas moins bon ni meilleur que ses autres opus, mais toujours aussi bien fait et génial à écouter. Surtout la première fois quand on découvre. Et en plus, l’album est disponible en téléchargement gratos. Que demande le peuple?
Télécharger All Day

Catégorie « plutôt cool »

Holy Fuck – Latin
Genre : Rock electronique instrumental
Groupe assez unique, produisant une musique à l’allure de musique électronique mais avec des « vrais » instruments. Leur troisième album est toujours aussi intéressant, alternant groove (Red Lights et son clip débile) et instrumentales frénétiques (Stilettos).
Deezer
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Kele – The Boxer
Genre : Pop/Electro
Kele, c’est Kele Okereke, plus connu comme leader de Bloc Party. N’ayant pas spécialement accroché au premier album de ce groupe, je ne m’attendais pas à apprécier autant cet album solo, mais finalement il y a assez peu d’éléments musicaux en commun. Ici, Kele se plait dans les sonorités électroniques, qu’elles soient carrément dancefloor compliant (l’énorme Tenderoni) ou plus posées (Everything you wanted).
Deezer
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Jonsi – Go
Genre : Pop
Et encore un album solo, cette fois-ci du chanteur de Sigur Ros. Le disque est varié, ayant parfois des relents de Sigur (Tornado), parfois des petites perles pop joyeuses et dansantes (la génialissime Animal Arithemtic !). Globalement bien foutu, mais un peu court.
Deezer
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Oceansize – Self Preserved While the Bodies Float Up
Genre : Rock/Prog
Après trois opus aussi variés qu’excellents, Oceansize se pose un peu et nous offre un album plus direct aux titres plus courts et « simples ». C’est toujours bien, mais un peu moins marquant. En live ça doit être bien sympa par contre.
Deezer
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Pendulum – Immersion
Genre : Drum’n bass/Rock
Pendulum continue son petit chemin s’éloignant de la Drum’n Bass plus pure pour s’orienter vers une sorte d’hybride electro-rock. Virage amorcé depuis le précédent album In Silico, ce glissement de style est encore plus prononcé ici, avec notamment des collaborations avec Steven Wilson (Porcupine Tree) ou Liam Howlett (The Prodigy) sur un morceau chacun. Le résultat final est en dents de scie, avec des moments de gloire (The Vulture, Comprachicos où on croirait entendre du Nine Inch Nails boosté), et des moments chiants (Salt in the Wounds, The Island part I). Mitigé, mais il reste tout de même pas mal de bons morceaux.
Deezer
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Demians – Mute
Genre : Rock/Prog
Un second album dans la veine du premier Building An Empire sorti en 2008. Le français multi-instrumentaliste continue de produire une musique intéressante, assez proche de groupes comme Porcupine Tree ou Oceansize cités plus haut.
Deezer
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Melissa Auf der Maur – Out of their minds
Genre : Pop/Rock
Après un premier opus self-titled très convaincant, la belle Melissa est revenue cette année pour un album moins « tubesque » et direct que son aîné, mais reste plutôt réussi.
Deezer

Squarepusher presents – Shobaleader One – d’Demonstrator
Genre : Electro-rock à basse
Visiblement, l’ami Squarepusher en avait un peu marre de faire de l’IDM complètement barrée avec des lignes de basse de folie, et a voulu s’inspirer des amis Daft Punk pour le côté dansant et robotique (le clip Megazine est assez parlant). Le résultat est ce nom assez cryptique : Shobaleader One. Au programme du Vocoder bien gras, des rythmes binaires bien faciles à danser, et toujours des lignes de basses bien cools. Pas mal, quoiqu’un peu répétitif sur la longueur de l’album.

MGMT – Congratulations
Genre : Pop
J’avais bien aimé leur premier essai Oracular Spectacular, celui-ci est assez différent mais pas moins intéressant. Moins « tubesque » et moins « frais » certainement, mais du coup plus profond et qui mérite plusieurs écoutes pour en tirer le meilleur.
Deezer
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Star One – Victims of the Modern Age
Genre : Space Opera
Les albums du sieur Lucassen se suivent et se ressemblent. Des projets multiples, entre Ayreon, Ambeon, Stream of Passion ou Guilt Machine, mais où l’on reconnait toujours son style caractéristique. Cet album de Star One n’y échappe pas, et on retrouve toujours ce style d’opera rock/métal avec différents chanteurs. Ici, chaque titre est en rapport avec un film de Science Fiction, les paroles faisant référence à Orange Mécanique, Blade Runner, La Planète des Singes ou encore Matrix. Bon, moi j’aime toujours son style, mais un jour il finira par se lasser à trop tirer sur la corde sans se renouveler !
Deezer
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Powerglove – Saturday Morning Apocalypse
Genre : Power Metal/Dessin animé
Powerglove est un groupe américain ayant à la base sortis un album et un EP de reprises instrumentales de musiques de jeu vidéo dans un style Power Metal. Pour leur dernier opus, ils ont décidé de se consacrer à une autre forme de média, et on retrouvera ici des reprises de génériques de dessins animés, américains principalement. Au programme du X-Men, du Batman, du Inspecteur Gadget ou les Simpsons. Surprenant au début, mais finalement la plupart des thèmes se prêtent assez bien à l’exercice de style. Dans tous les cas, l’écoute est assez marrante.
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Catégorie « à peine écouté, déjà oublié »

Crystal Castles – Crystal Castles II
Genre : Electro dancefloor
Leur premier opus en 2007 avait quelques morceaux intéressants, avec des sonorités 8bit qui faisait pour pas mal l’intérêt. Ici plus du tout de sons Nes, et beaucoup moins de morceaux intéressants en conséquence. On se consolera avec l’introduction et le morceau Celestica, assez génial reconnaissons-le. La seule perle de l’album ceci dit.
Deezer
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Serj Tankian – Imperfect Harmonies
Genre : Rock/Neo-Prog
J’adore System of a Down. J’ai aussi bien aimé le premier opus solo du sieur Tankian, qui avait encore des relents de la folie de SoaD. Mais là non, passé les très bons deux premiers titres (Disowned inc et l’énorme Borders are), plus rien, l’ennui. Tout se ressemble, et rien ne m’accroche. Deuxième déception après un Elect the Dead Symphony complètement ennuyeux.
Deezer
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James Labrie – Static Impulse
Style : Rock/Neo Métal
Chanteur de Dream Theater, dont je suis assidûment l’évolution, et donc les projets solos de chaque membre. Labrie sort régulièrement des albums « solo » composés par je ne sais qui. Elements of Persuasion en 2005 était pas mal, mais ce Static Impulse, pourtant dans le même style, est assez fade. Les chansons se suivent et se ressemblent, sans personnalité. Reste une belle balade au piano, Coming Home, qui clôture l’album sur une belle note. C’est toujours ça.
Deezer
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Midnight Juggernauts – The Crystal Axis
Genre : Electro-Pop
Après l’excellent et très dansant Dystopia en 2007, The Crystal Axis est une vraie déception. Des morceaux fades et chiants, ce qui n’était pas le cas du tout sur le premier album. On se consolera avec Lifeblood Flow, le seul bon morceau de l’album.
Deezer
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Jamiroquai – Rock Dust Light Star
Genre : Pop/Disco/Funk
Mouais. Pourtant j’aime beaucoup ce groupe, de leurs débuts acid jazz aux sonorités disco funk des derniers albums, mais là ça ne passe pas. Passé les deux premiers titres sympas, c’est plat et vite oubliable.
Deezer

Shinichi Osawa – SO2
Genre : House
Mais, mais, mais. Qu’est-ce qu’il s’est passé ? Le même compositeur japonais qui avait sorti un des meilleurs albums de 2007 a sorti un album tout mou, manquant cruellement de rythme et de mélodies accrocheuses. Non mais regardez-moi ça, plus répétitif et chiant tu meurs.

Underworld – Barking
Genre : Electro/Pop
Autrefois, Underworld c’était un groupe phénoménal. Depuis le départ de Darren Emerson, ils ont malheureusement beaucoup de mal à sortir des albums potables, malgré des prestations live toujours aussi intenses. Ce Barking n’échappe pas à la médiocrité, malgré quelques pistes salvatrices (Scribble en tête).
Deezer
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Goldfrapp – Head First
Genre : Electro-pop
C’est dommage, il démarre fort ce disque. Les trois premières pistes sont excellentes, délicieusement retro 80′s, avec en point d’orgue ce petit bijou de bonne humeur qu’est Alive (jetez un oeil au clip, totalement en décalage et donc très drôle). Et puis après le concept s’essouffle, le reste est chiant.
Deezer
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Massive Attack – Heligoland
Genre : Trip-hop
Visiblement le trip-hop est mort dans les années 90. Mais bon, je suis un faux fan du groupe, les seuls albums d’eux que j’aime étant Mezzanine et 100th Window, ce qu’un vrai fan me reprocherai aussitôt. Et bien tant pis, je réécouterai ceux-là.
Deezer
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Hooverphonic – The Night Before
Genre : Pop
Visiblement, le départ de la chanteuse Geike Arnaert a fait du mal aux talents de compositions de Hooverphonic, vu comme ce nouveau disque sans elle est insipide. On s’ennuie ferme.

Catégorie « je sais pas où les mettre »

Blonde Redhead – Penny Sparkle
Genre : Pop
Je l’ai écouté deux fois, et je n’ai toujours pas d’avis en plus d’avoir rien retenu. Tant pis, à la place je réécouterai 23.
Deezer
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Daft Punk – Tron Legacy Soundtrack
Genre : B.O. de film
C’est… une B.O. de film lambda, donc très discrète, aérienne et avec plein de violons. C’est malin d’avoir mis Derezzed en premier extrait, c’est la seule piste qui sonne Daft Punk de l’album >.<
Deezer
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Flying Lotus – Cosmogramma
Genre : Electronica/Experimental
Comme son précédent opus Los Angeles, un disque assez étrange, à mi chemin entre le trip-hop et l’IDM avec un côté assez trippant (voir le clip de MmmHmm), avec des pistes assez courtes qui s’enchaînent rapidement. Pas mon disque préféré, mais loin d’être inintéressant.
Deezer

Mon top 5 2010

05) 65daysofstatic – We were exploding anyway
Genre : Post-rock électronique

Moi, j’adore les mélanges de style. Encore faut-il que ce soit bien fait, évidemment. En l’occurrence, 65daysofstatic se débrouillait pas mal depuis leurs débuts, où ils s’amusaient régulièrement à faire du post-rock à la Mogwai en intégrant des boites à rythme proches de la drum ‘n bass. Dans leur dernier opus, ils ont poussé le concept du mélange encore plus loin, en incluant encore plus d’éléments électroniques et synthétiques dans leurs compos, sans pour autant abandonner les guitares. Le résultat est détonnant, ça donne des pistes instrumentales tout à fait frénétiques, en gardant ce côté hypnotique et entêtant si agréable au post-rock.
Deezer
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04) Slash – Slash
Genre : Rock varié

Slash, pour tous ceux qui ont sauté leurs cours de musique option rock, c’est le monsieur au haut de forme qui était le guitariste soliste des Guns ‘n Roses quand ce groupe était au plus haut de sa gloire. Moi, les Guns ça me passe au dessus. Je n’ai jamais accroché à Appetite for destruction, malgré plusieurs essais. Du coup je n’ai jamais trop suivi la carrière de leurs membres respectifs. Pourtant, ce premier album solo de Slash a tout de suite attiré mon attention, grâce à sa liste de guest on ne peut plus diversifiée. Un album qui fait côtoyer Ozzy Osbourne, Chris Cornell, Fergie (Black Eyed Peas), Lemmy, Adam Levine (Maroon 5) ou encore Dave Grohl, ça fait forcément lever un sourcil. Et pourtant, le résultat est impressionant. Slash ne se la joue jamais guitar hero, mais a préféré composer des vraies chansons toujours adaptées à ses invités. Belle ballade pour Levine, instru qui tape fort pour Grohl, ou encore rock retro l’ami Iggy Pop, c’est très varié mais toujours réussi. Chapeau, monsieur au chapeau.
Deezer
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03) Chemical Brothers – Further
Genre : Electro/Big Beat

Le retour des rois. Ils ont beau avoir composé deux de mes albums préférés dans les années 90 (Dig your own hole et Surrender), je n’ai jamais été vraiment convaincu par leurs travaux suivants, bien qu’en live ils soient toujours aussi fortiches. Ce dernier opus est une sorte de compilation de ce qu’il y a de mieux chez eux, rien à jeter à part peut-être le premier morceau qui ne mets pas vraiment dans l’ambiance. Mention spéciale au délirant Horse Power, suite spirituelle au tube Hey Boy Hey Girl.
Deezer
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02) Anathema – We’re here because we’re here
Genre : Rock/Pop/Prog

Un album accouché dans la douleur, qui aura connu bien des déboires et des versions différentes. Le groupe ayant bien des difficultés à la fois pour changer de maison de disques et se fixer sur le contenu, au vu des différentes déclarations faites depuis la sortie de l’album précédent en… 2003 ! Pourtant le résultat est très positif, très travaillé autant dans le son que les compositions. Ces dernières ne sont qu’au nombre de dix, mais aucune n’est à jeter. Un peu mélo parfois, mais jamais trop. Un très beau disque.
Deezer

Et l’album de l’année va à….
01) World’s End Girlfriend – Seven Idiots
Style : Electronica/N’importe quoi

World’s End Girlfriend, c’est le nom de scène Katsuhiko Maeda, un japonais mêlant de façon improbable l’électronica la plus déjantée (pensez Squarepusher ou Autechre), et le post-rock, à grand renfort d’instruments classiques comme le piano et les ensembles de cordes. Il produit des disques relativement déjantés, mais ce dernier opus surpasse tout ce qu’il a pu faire avant. C’est assez indescriptible, le disque est ponctué d’envolées au violon, entrecoupées de passages destroy par une boite à rythme frénétique, avec une grosse couche de guitare électrique par desssus. Ouais bon, regardez plutôt la vidéo tirée du deuxième titre de l’album, titré Les Enfants du Paradis, ça sera plus simple. Et tout le disque est comme ça ! Excepté les derniers morceaux, très calmes et minimalistes, le repos après la bataille. Mon coup de coeur de l’année, sans nul doute.

Tout d’abord merci à tous les auditeurs. La radio a été mise en ligne il y a maintenant 6 mois, et même si elle n’est pas (encore) prête de devenir la number one des webradio, a des audiences tout à fait honorables qui lui ont permis de se maintenir chez Radionomy passé le cap des trois mois d’essai.

Les news : Radio J-Truc est maintenant écoutable à partir de itunes ainsi que Liveradio, le service consacré de Orange ! Pour Itunes nous sommes classés en catégorie Ecclectic (cherchez bien Radio J-Truc et pas J-Truc simplement…). Et pour Orange, vous pouvez soit l’écouter à partir de cette page, soit directement sur msn via l’onglet Messenger Radio. Il faut alors aller chercher la radio dans la rubrique : Monde > Europe > France > A-Z > R-R > RadioA – RadioL > Radio J-Truc. (leur moteur de recheche intégré a du mal visiblement).

Durant ces trois mois, le planning hebdomadaire n’a pas énormément changé, si ce n’est la disparition des plages J-Music, faute de connaissances de ma part pour suffisamment la renouveler. Ainsi que depuis le 17 octobre, l’apparition des playlist spéciales rediffusées en soirée quatre fois par semaine. Vous pouvez trouver l’intégralité des playlists ainsi que leurs auteurs sur cette page.

Le contenu en revanche a pas mal évolué, et même si on y trouve encore certaines pistes passant depuis le tout début de la radio, j’ai fait énormément d’ajouts depuis le temps (plus d’une cinquantaine de nouvelles pistes en catégorie Jeux vidéo depuis le début de l’année par exemple). La catégorie qui souffre le plus du manque de renouvellement est incontestablement celles des Animes, mais khyos devrait remédier à ça prochainement…

Le détail des catégories au jour d’aujourd’hui :

• Jeux Vidéo : 377 morceaux pour 24h08
• Pop-Rock : 337 morceaux pour 25h20
• Musiques électroniques : 248 morceaux pour 20h55
• Animes : 154 morceaux pour 10h22

Voilà pour la radio, pas de plan particulier pour l’instant, à part continuer à faire des playlists chaque semaine (j’ai encore un paquet d’artistes en tête), on espère que la radio continuera à progresser, et ses auditeurs avec.

J’avais prévu au départ de faire un bilan complet de ce que j’ai écouté cette année, mais finalement j’ai lâchement abandonné devant ce travail de titan. Donc finalement je me contenterai d’un (évidemment très personnel et un peu arbitraire) top 3, ainsi que d’un listing des albums que je retiendrai tout particulièrement de cette année 2009 (liste non exhaustive, et je ne doute bien sûr pas que je ne découvrirai que bien plus tard d’autres perles sorties cette année).

Mon Top 3 de 2009 :

03  : South Central – The Owl of Minerva

Cet album n’en est pas vraiment un puisqu’il s’agit d’une compilation des singles que le duo a sorti ces deux dernières années. Qu’importe, rien n’est à jeter dans ce disque bourré de tubes electro house parfois planant, parfois à faire remuer le popotin dans n’importe quelle circonstance (dans le genre, Golden Dawn se pose là).

Golden Dawn
Higher State

Edit du lendemain : Ah ben non, on me souffle qu’il est sorti fin 2008 celui-ci.  Dans le genre Epic Fail c’est pas mal ça. Bon c’est pas grave, écoutez-le quand même il déchire !

Du coup ce sera :

03  : Archive – Controlling Crowds

Nouvel opus du groupe britannique, toujours dans la veine de leurs albums précédents mariant pop, progressif et trip-hop (le retour au trip-hop pur façon Londinium ce ne sera pas pour tout de suite), mais ici l’album a une touche ultra sombre et mélancolique, encore plus que sur un Noise pourtant déjà bien tristoune. Une ambiance excellente, et même les morceaux rappés (qui sont pourtant loin d’être ma tasse de thé) sont parfaits ici.
Bullets
Clones

02 : The Devin Townsend Band – Addicted !

Deuxième opus des quatre albums que compte sortir en deux ans cet artiste incroyable qu’est Devin Townsend. Après un opus Ki très posé, ici on revient à des mélodies joyeuses et déjantées, incroyablement catchy et sans prise de tête. Tout en gardant un haut niveau de production avec des sons de partout, et en ajoutant la sublime voix de Anneke van Giersbergen, ex-chanteuse de The Gathering. Un seul regret : qu’il n’y ait que dix pistes.

Bend it like Bender!
Resolve!

01 : Pure Reason Revolution – Amor Vincit Omnia

Et un chef d’oeuvre un. Mariant habilement pop-rock et sons électroniques, ce disque est une vraie réussite. Le groupe prenant pourtant un sérieux virage après un premier album beaucoup plus orienté rock prog, mais c’est un virage négocié avec brio ! A écouter et réécouter encore…

Apogee/Requiem for the Lovers
Deus Ex Machina

Ils auraient pu être dans le top 3 :

Ghinzu – Mirror Mirror
MSTRKRFT – Fist of God
Justice – A Cross the Universe
Rammstein – Liebe ist fur Alle Da
Riverside – Anno Domini High Definition
Them Crooked Vultures – Them Crooked Vultures
Eiffel – A tout moment
Yuksek – Away from the Sea
Porcupine Tree – The Incident

Dai Sato, scénariste et créateur de la série, est un homme passionné par la musique, étant musicien lui-même et ayant crée un label indie japonais (Frogman Records) et a voulu faire passer ses références personnelles à travers la série. Si nous verrons que ces clins d’oeil abordent d’autres styles et périodes, la plupart sont centrées sur la musique électronique anglaise période fin 80′s/début 90′s, correspondant à l’émergence des raves et du mouvement acid-house. Le lien le plus évident est bien sûr l’évocation du Summer of Love, évènement important correspondant dans la série au bouleversement dans les flux de Trapar qui a suivi la première mise en contact de l’Amita Drive et du Nirvash. Ce nom fait référence non pas au premier Summer of Love du mouvement hippie des années 60, mais au Second, terme désigné pour qualifier les étés 1988 et 1989 en Angleterre, reflet de l’euphorie et de l’enthousiasme des jeunes suite à l’apparition des raves. Toujours dans les liens directs : les épisodes 16 à 19 se déroulent dans une mine abandonnée se trouvant dans une région nommée Hacienda. Référence directe au club anglais du même nom, une des boîtes pionnières du mouvement. Il y a également dans la série un clin d’oeil au phénomène des raves dans l’épisode 24 où Renton se retrouve au beau milieu d’une fête semble-t-il improvisée au milieu d’une place vide où il dormait tranquillement. Une scène légèrement surréaliste où des individus d’apparence complètement différentes dansent ensemble au son d’une musique aux sonorités Trance.

Au passage, si le sujet vous intéresse, je vous recommande chaudement le documentaire Techno Story disponible sur Dailymotion, notamment la partie « Le temps des raves », fort à propos ici.

Pour la symbolique, il y a un parallèle évident à faire entre le phénomène des ravers anglais cherchant la liberté et le plaisir dans un contexte de crise économique et où une certaine Dame tenait d’une main de fer le pays, et le Gekko State et leur statut de hors la loi en opposition avec le gouvernement. L’équipage du Gekko est d’ailleurs très éclectique, réunissant des personnages visuellement et aux moeurs complètement différentes, reflet de l’aspect communautaire de ce mouvement musical qui réunissait toutes les catégories de jeunes sans exception. Quant au rapprochement avec le style musical en lui-même, il est à mon avis à trouver dans le côté machinal et « froid » de la techno, qui symbolise le monde désolé d’Eureka seveN, un monde froid et sans végétation aucune, où la technologie et les machines sont prépondérantes.

Mettons un peu les mains dans le cambouis et allons chercher les autres références qui se cachent dans la série. Les Thurston tout d’abord, tirent chacun leur nom d’un représentant d’un courant musical, symbolisant chacun une génération différente. Le rock est représenté à la fois par le nom de famille, tiré de Thurston Moore, leader du groupe Sonic Youth, et par le grand-père Axel nommé d’après Axl Rose, leader des Guns N’ Roses (si le seul nom Axel vous paraît un peu léger pour faire un rapprochement, sachez que sa femme qui n’apparait jamais est révélée dans le dernier épisode s’appeler… Rose !). Le père : Adrock, représente le hip-hop, son nom faisant référence à Ad Rock, leader des Beastie Boys. Ses assistants qu’on ne voit que très brièvement en flashback sont d’ailleurs nommés les Dr. Yauch et Diamond, complétant ainsi le trio puisque ce ne sont autre que les noms des deux autres membres des Beastie. Enfin, Renton (ainsi que sa soeur Diane) est un peu différent puisqu’il n’est pas prénommé d’après un artiste musical, mais un héros de roman (adapté par la suite en film) : Mark Renton de Trainspotting. Ceci dit, ce film traite de la toxicomanie et possédant une bande-son parmi les plus prisées du genre contenant notamment des groupes qu’on retrouvera cités un peu plus bas comme Underworld, New Order ou encore Primal Scream. Le rapprochement avec la musique électronique est donc bien présent. Personnage plus anecdotique : le sympathique Moondoggie est pourtant lui aussi représentant du courant musical associée à la génération de Renton, puisque son vrai nom est révélé être James Darren Emerson (visible quand il montre son permis de pilotage à Talho et Holland). Darren Emerson est un célèbre DJ qui a notamment fait partie dans les années 90 du groupe anglais Underworld.

Etant donné que la techno est toujours associé à la froideur des machines (et ce dès les années 70 avec les délires de Kraftwerk), il n’en est que plus naturel de savoir que quasiment tous les modèles de mecha de la série soient liés à ce courant musical. Les mechas d’Eureka seveN ont pour nom générique les LFO (pour Light Finding Operation). Egalement le nom d’un groupe anglais, pionniers de l’éminent label Warp qui est une référence en terme d’électro. Les LFO à usage militaire sont appelés des KLF, autre groupe anglais de la fin des années 80. Tous les sous-modèles (typeB303, typeR808, Mon-Soono type10, etc.) sont quant à eux tirés de noms de synthétiseurs des marques Roland (TB-303 et TB-808) et Korg (MS-10) respectivement. On retiendra notamment le TB-303, synthétiseur qui a forgé le son acid-house de la fin des années 80 justement (regardez un peu). Enfin, le vaisseau principal de Dewey est appelé le AFX. Qui n’est autre qu’un des nombreux alias d’Aphex Twin, autre pionnier de Warp et surtout l’un des plus grands noms de la musique électronique et aussi l’un des plus versatiles.

Dernier point qui mérite d’être évoqué dans ce domaine : une partie non négligeable des titres d’épisodes sont des références directes à des musiques ou chansons. Et comme la plupart d’entre elles sont de groupes anglais de la période fin 80′s/début 90′s filiation ne fait aucun doute. On peut toujours trouver des clins d’oeil partout (surtout avec le nombre de chansons qu’il existe sur Terre), je me bornerai donc aux plus évidents et confirmés par le style musical :

• Episode 1 : Blue Monday du groupe New Order, sorti en 1984. Sans doute leur single le plus connu et le plus influentiel.

• Episode 10 : Higher than the Sun de Primal Scream, sorti en 1991 sur l’album Screamadelica. Album qui a énormément influencé sur le son de l’électronique des années 90.

• Episode 11 : Into the Nature de Hardfloor sorti en 1993. Un des groupes les plus emblématiques du son Acid, notamment grâce à leur usage répété du synthétiseur Roland TB-303 évoqué plus haut. Leur morceau le plus connu reste…

• Episode 12 : Acperience 1 toujours de Hardfloor, même album. Morceau acid tout à fait épique (surtout en version longue de 9 min) et totalement représentative du genre. On retrouvera trois autres épisodes (les 19, 41 et 47) nommés respectivement Acperience 2, 3 et 4.

• Episode 15 : Human Behaviour de Björk, sorti en 1993. Morceau plutôt orienté trip-hop downtempo. Pas vraiment de rapport à priori, mais la belle islandaise a par la suite collaboré avec Mark Bell (leader de LFO) pour produire son album Homogenic pour sortir des trucs de fou dans ce style.

• Episode 18 : Ill Communication, nom d’un album des Beastie Boys, sur lequel on retrouve entre autres singles le titre Sabotage. Vu qu’on les a déjà retrouvés référencés plus haut dans le nom du père de Renton, rien d’étonnant à les retrouver là.

• Epsiode 20 : Substance Abuse, de F.U.S.E, sorti en 1993.

• Episode 30 : Change of Life, de Jeff Mills, sorti en 1992.

• Episode 33 : Pacific State, de 808 State, sorti en 1989.

• Episode 35 : Astral Apache, de Galaxy 2 Galaxy, sorti en 1993.

• Episode 39 : Join the Future, de Tuff Little Unit, sorti en 1991.

• Episode 42 : Star Dancer, de Red Planet, sorti en 1993.

• Episode 43 : The Sunshine Underground, des Chemical Brothers, sorti en 1999.

• Episode 44 : It’s all in the mind, de CJ Bolland, sorti en 1991.

• Episode 45 : Don’t you want me? de Felix, sorti en 1992.

Comme vous avez pu le voir si vous êtes un lecteur fidèle de ce blog (il en reste ?), ça fait maintenant quelques mois que nous ne faisons plus de podcasts. Les raisons sont diverses : plannings incompatibles, incapacité d’emporter le matériel nécessaire partout (je refuse d’enregistrer des podcasts par le biais d’internet, jugeant la qualité trop approximative et le délai de réaction insupportable), et simple flemme. Comprenez-nous, on se voit déjà assez rarement, alors le peu de fois où ça arrive, on est plus motivés pour se faire un bon resto et une partie de Mario Kart plutôt que de se poser et faire un podcast (même si on rigole toujours bien à les enregistrer, comme peuvent en témoigner les divers bêtisiers).

Pour pallier un peu à ce manque, et motivé par la découverte de Radionomy via Tsumugi, la radio d’Amo, je vous présente la web-radio officielle du J-Truc ! Au programme bien sûr les grandes thématiques du site, à savoir des plages musiques de jeux vidéo, des musiques tirées d’ost d’animes, et un peu de J-Music. Les plages jeux vidéo contiendront en majorité des remixes et arrangements (officiels ou amateurs), sans pour autant complètement négliger les originales. Et pour les animes ce sera génériques ou pistes d’ost, parfois dans une version différente de celle que vous connaissez.
A côté de tout ça, le reste est orienté Rock et Musique électronique période 90/00, mes styles et périodes de prédilection (oui c’est un peu Radio Kirox de ce côté-là).

Pour le programme complet, cliquez sur le lien Radio J-Truc en haut à droite. Et pour écouter la radio, j’ai ajouté un lien vers le .m3u sur la colonne de droite. Pas de player pour l’instant, ça viendra plus tard que j’aurai réussi à le mettre en place sans foutre en vrac le reste du blog (ou que khyos rentre de vacances).

Radionomy impose des plages de publicité, deux par heure exactement. Elles sont très (très très…) vite énervantes, mais c’est le prix à payer pour avoir un service légal et gratuit. Par ailleurs il subsiste encore quelques bugs dans la programmation (des pistes qui sautent notamment), donc il peut intervenir quelques légers décalages dans les horaires.

J’essaierai bien sûr de renouveler la base de données régulièrement du mieux que je peux, mais je pense qu’il y a déjà suffisamment de quoi faire (sauf peut-être en J-Music pour l’instant). Pas de playlist spéciale ou de diffusion de podcasts de prévue pour l’instant, ça viendra peut-être avec le temps si la radio marche bien, why not.

Voilà, enjoy !

Edit : Je précise suite à une remarque sur IRC. Cette radio n’a pas pour but de concurrencer Tsumugi, malgré l’apparence que ça donne apparement.
Celle-ci n’a pour ambition que de proposer un aperçu des goûts musicaux de la team (enfin surtout des miens en fait), et restera un petit « à côté » du blog. Je n’ai pas le temps ni la motivation pour faire des soirées à thème (autre que classer par genre), des jingles personnifiés, ou d’ajouter les suggestions du public éventuel, bref de faire un truc bien structuré et attractif comme le fait justement Amo (et il le fait très bien).
Pour moi c’est juste un petit bricolage qui m’amuse pendant mon temps libre, parce j’aime bien tester ce genre de trucs, et surtout que j’adore la Musique.

Voilà euh je sais pas si j’ai été très clair, tout ça pour dire que je ne cherche nullement l’embrouille

Cornelius a produit cinq albums depuis 1994. Si le premier, The First Question Award, est plus ancré dans l’acid jazz très en vogue à l’époque (pensez Jamiroquai), avec des trompettes, des lignes de basse funky et surtout sans aucun sample électronique ; c’est à partir de 69-96 que commence à se dessiner le style qui deviendra sa marque de fabrique. Plus orienté rock que le précédent, on voit apparaître quelques samples et structures empruntées à la musique électronique.

Mais c’est sur Fantasma sorti en 1998 que Cornelius va réellement briller. L’album de la maturité (oohhhh l’expression cliché de critique musicale), et juste un petit chef d’oeuvre, fusion parfaite et complètement barrée entre le rock et l’electronica. The Micro Disneycal World Tour, Clash, Count Five or Six, Star Fruits Surf Rider, Thank You for the Music sont d’autant de titres géniaux et bien foutus. C’est bien simple, il n’y a rien à jeter sur cet album !

Point sorti en 2001, reprend le style de l’album précédent, en lui ajoutant quelques expérimentations sonores, notamment le fait de se servir de bruits naturels comme le bruit de l’eau dans Drop ou les oiseaux dans Bird Watching At Inner Forest. Légèrement plus expérimental, il n’en reste pas moins un excellent album dans la continuité de Fantasma.

Enfin, Sensuous, est malheureusement moins convaincant que ses prédécesseurs. Toujours dans ce style inimitable, mais plus dépouillé. Excepté quelques titres comme le complètement barré Gum, Wataridori ou Music, l’ambiance est très molle et… on se fait chier, il faut le dire.

Comme souvent dans la musique électronique, Cornelius est un artiste qui soigne ses clips. La plupart proposent un univers visuel très original, mais toujours en accord avec la musique. Bref des petits chefs d’oeuvre visuels à voir impérativement. Si je devais n’en retenir qu’un (pour ne pas surcharger la page), je dirais celui de Fly, qui vous fait découvrir le point de vue d’une mouche :

Mais il y a aussi Smoke et ses formes géométriques syncronisées, Star Fruits Surf Rider et ses couleurs psychédéliques, Point of View Point et ses trajets en voitures à pleine vitesse, Drop et ses goutes d’eau, Gum et ses bouches de partout, et plein d’autres encore…

Cornelius sur Spotify
Ou sur Deezer (pour les losers qui n’utilisent pas Spotify)

Projet de Tommy Tallarico et Jack Wall, deux grosses pointures de la musique de jeu vidéo, le Video Games Live est une série de concerts joués par un orchestre symphonique reprenant des grands thèmes de musique de jeux vidéo. Hier soir Le 18 décembre dernier au Palais des Congrès à Paris se déroulait la première prestation de ce show en France (si l’on excepte le concert spécial Blizzard donné il y a quelques mois), et il va de soi qu’en tant que grands fans de musiques de JV (et proches de Paris) nous étions présents pour l’événement.

Commençons par parler des à-côtés. Comme nous l’a précisé le showman de service Mr Tallarico, le principe n’est pas de mimer un concert symphonique classique où tout le monde doit rester silencieux pendant la musique, mais un véritable spectacle où les spectateurs ont droit de crier et d’applaudir à la moindre note ou image diffusée à l’écran qui leur rappellerait les souvenirs d’antan. Bonne initiative, de toute façon je suppose que vu le public, ça aurait été impossible d’empêcher cela. Quoique, c’est certes très communicatif et ça donne une ambiance bien conviviale, mais il y a des moments où les cris du public couvrent littéralement la musique et j’avais envie de crier bien fort « mais vos gueules bordel de merde ! ». Notamment pendant le medley FF au piano, où le temps que les fanboys finissent de hurler aux premières notes de FFVII ou FFX, le pianiste était déjà passé à une autre mélodie… Mais bon, le juste milieu entre le silence complet pour profiter de la musique, et les cris en délire qui couvrent les musiciens me paraît de toute façon impossible à atteindre dans ce genre de prestation.

Autre ajout sympathique qui donne de l’intéractivité au concert : les vidéos diffusées sur l’écran géant conjointement avec les morceaux. Ca fait toujours plaisir d’avoir quelque chose d’autre à regarder que les musiciens assis sur scène les yeux rivés sur leur partition, d’autant plus que ces musiques de jeux vidéo sont toujours associées dans le coeur du gamer à des passages précis du jeu vidéo duquel il provient, mêlant ainsi agréables souvenirs visuels et auditifs. Cet écran diffusait évidemment des passages du jeu vidéo pour lequel la musique était en train d’être jouée, toujours en bonne synchronisation. Carton rouge sur ce point à Square-Enix, qui décidément aime faire chier ses fans dévoués, puisqu’ils ont refusé que l’on diffuse des images tirées de leur jeux lors de cette série de concerts. Ce qui nous a valu à la place une série de fan arts, pas toujours du meilleur goût…

Quelques mots sur les interludes assurés par Tommy Tallarico, dans un anglais que curieusement la majorité de la salle semblait comprendre (public de gamers plus habitués à cette langue sans doute, ou alors ils faisaient semblant en regardant sur le voisin). L’homme est ma foi sympathique, communicatif et visiblement très passionné, ce qui rend ses interventions entre les morceaux toujours appréciables. Au départ d’ailleurs accompagné du malheureux Julien Tellouck de (feu) Game One, qui faisait office de traducteur mais n’est pas revenu par la suite, sans doute à cause des huées successives qu’il s’est pris. Quelques invités sont également venus sur scène, dont notamment Michel Ancel, créateur de Rayman et du très overhypé Beyond Good and Evil, qui avec son équipe, nous a offert une petite prestation semi-musicale qui avait l’air d’avoir été improvisée la veille en catastrophe… Mais bon, c’était sympa de le voir. Notons enfin au milieu du concert une performance d’un spectateur sur Guitar Hero : Aerosmith accompagné de l’orchestre (spectateur sélectionné grâce à un concours Guitar Hero qui a précédé le concert), qui a voulu voir grand en demandant à jouer son morceau en difficulté Hard, mais qui n’avait malheureusement pas prévu qu’avec l’écran géant rétroprojeté et toute la machinerie derrière, il y aurait quelques dixièmes de secondes de décalage entre l’image et le son…Des dixièmes qui sont forcément fatals sur un jeu musical de ce genre, ce qui lui a valu un joli game over.

C'est pas tiré du concert à Paris, mais j'avais pas amené mon appareil...

Parlons un peu musique maintenant, car c’est quand même censé être un concert avant un spectacle. C’est l’orchestre local du Star Pop Orchestra accompagné d’une chorale qui jouait ce soir, la plupart des morceaux étaient généralement des medleys instrumentaux provenant d’un ou d’une saga de jeux vidéo. Des medleys assez convenus pour la plupart, avec des gros classiques que tout le monde connait (Mario, Sonic, Zelda…). Bref finalement, rien d’extraordinaire dans le monde des reprises de jeux vdéo jusqu’ici. Toutefois, quelques morceaux se démarquaient du lot, autant dans la sélection que dans l’exécution. En effet, les organisateurs étant américains, ils n’ont pas oublié d’inclure dans leur setlist des morceaux de leurs contemporains, là où trop souvent la musique de jeu vidéo est résumée à ce qui sort du Japon. Voir ainsi des titres comme Warcraft, Civilisation IV ou bien Halo faire leur apparition dans ce concert a été pour moi comme une vraie bouffée d’air frais musicale au milieu de tous ces morceaux japonais déjà mixés et remixés de toutes les façons possibles et imaginables, et donc sans surprise lorsque joués ici. Autre point notable, God of War et Civilisation IV ont fait intervenir des solistes vocaux, encore une fois une bien agréable surprise qui ajoutait un vrai plus à l’interprétation proposée ce soir.

Notons également l’apparition de Martin Leung, pianiste amateur popularisé par ses vidéos Youtube sous le nom de Video Game Pianist. Qui a un jeu certes impressionnant de vitesse, mais pour ma part j’ai surtout remarqué que plus il joue vite, plus il fait de fausses notes… M’enfin bon, apparemment il plaît au public, donc pourquoi pas. Tommy Tallarico a également mis la main à la pâte, puisqu’il a accompagné les interprétations de Halo et Castlevania avec sa guitare électrique, un ajout d’instrument ma foi fort agréable après 1h30 d’orchestre uniquement.

Celle là non plus

Bilan mitigé pour ma part donc, mais j’avoue que je suis super critique sur l’aspect musical, et que je suis surtout très influencé par le fait que j’écoute énormément de remixes et de reprises diverses de jeux vidéo. Du coup, peu de choses m’ont surpris ou impressionné lors de ce concert. Pour illustrer mon propos, le concert s’est terminé par une interprétation de One-Winged Angel avec chorale, et un medley de Castlevania plutôt orienté rock. Deux morceaux certes très sympathiques, mais dont je connaissais des interprétations dans le même style qui étaient bien meilleures à mon goût ! Par exemple le Advent One-Winged Angel de l’ost de Advent Children, ou le medley de S.S.H pour Castlevania. D’où le fait que finalement ce qui m’a le plus plu musicalement lors de ce concert, ce sont les morceaux tirés de jeux américains, alors que paradoxalement c’était les seuls que je ne connaissais pas avant d’y aller. Maintenant, le Video Game Live c’est un tout, qui englobe aussi l’aspect visuel et communautaire, avec la musique. C’est une bonne expérience à faire une fois, mais personnellement je ne pense pas y retourner. Toutefois, que cela ne vous empêche pas d’y aller si c’est votre première fois, ne serait-ce que pour soutenir ce genre d’initiative (concert de musique de jeux vidéo) qui reste rarissime en France, alors que c’est beaucoup plus courant au Japon ou aux Etats Unis. Le prochain à Paris est prévu le 22 novembre 2009.

Le site officiel

Cette série se démarque tout de suite par son côté totalement décalé. En effet, les graphismes simples et complètement délire font directement penser aux titres estampillés Wario Ware, et nous verrons que la comparaison ne s’arrête pas là. L’univers graphique de ce Rhythm Paradise est donc très particulier, absolument tout est dans le grand guignolesque. Sans flirter avec le mauvais goût, il reste au contraire cohérent et très agréable au final. C’est ainsi que se mêlent idoles hystériques, robots dansants, pongistes farfelus, jardiniers en getas ou encore un DJ sous acides. Rhythm Paradise possède une bande-son tout aussi variée et déjantée que sa partie graphique. Chaque épreuve propose son univers sonore avec par exemple une marche militaire pour les oies communistes ou une balade romantique pour les chimistes amoureux transis.

Le gameplay de ce Rhythm Paradise est on ne peut plus simple : il consiste à effectuer des mouvements au stylet et ce, comme l’indique le titre du jeu, en rythme. Il existe trois mouvements différents. Le premier consiste tout simplement à tapoter son écran, le second plus subtil consiste à taper, puis dans un même geste glisser rapidement le stylet. Le dernier enfin, moins utilisé, consiste à exécuter un simple aller-retour sur l’écran tactile. Comme dit plus haut, Rhythm Paradise rappelle énormément Wario Ware dans la forme comme dans le fond ; puisque que le jeu est décomposé en courtes phases de jeu allant d’une trentaine de secondes à une bonne minute, où il faudra, en faisant appel à tout son talent de musicien, taper et glisser son stylet en suivant la musique. Chaque « mini-jeu » n’est en fait qu’un entrainement pour le mix final, qui mélange en rythme et sous un même air les quatre épreuves le précédant.

Il n’y a pas à dire, Rhythm Paradise procure une dose tout à fait tolérable de fun à son acheteur potentiel. Terriblement frais et drôle, il propose une alternative aux jeux musicaux classiques avec son agréable touche de folie pure. On pourrait lui reprocher sa durée de vie : avec sa dizaine de mix, il est peut-être un poil trop court. Néanmoins, si les premiers mix se font les doigts dans le pif, les derniers demandent quand même une bonne coordination œil-oreille-main pour en venir à bout. D’autant plus que les plus pointilleux d’entre vous passeront des heures et des heures à obtenir toutes les médailles et à débloquer les quelques sympathiques bonus laissés là par des développeurs décidément bien trop généreux.

Parce qu’il ne faudrait pas qu’on croit que je n »écoute que de la musique électronique non plus. Melt-Banana est un groupe à ranger dans la catégorie Noise-Rock. Un genre de rock à guitare jouant sur des mélodies dissonantes et le plus souvent complètement destructurées. En d’autres termes, c’est souvent un gros bordel sonore. C’est d’ailleurs une scène musicale qui s’est très bien développée au Japon dans les années 90, au point que le terme Japanoise est apparu pour qualifier ces groupes nippons comme Merzbow ou les Boredoms.

Melt-Banana se compose de trois personnes en studio, un guitariste, une bassiste et une chanteuse, qui crie plus qu’elle ne chante d’ailleurs, noise oblige. Il est amusant de noter qu’ils n’ont pas de batteur attitré, soit ils en embauchent un le temps d’un album et d’une tournée, soit ils programment eux-même leurs rythmes par boîte à rythme interposée, comme c’est le cas sur l’album Cell-Scape.

Concernant le style il faut bien dire ce qu’il est : c’est un genre très particulier et assez difficile d’accès à l’écoute. Dans leurs premiers albums dans le plus pur style noisy, les morceaux sont très courts (parfois pas plus d’une dizaine de secondes), et l’absence d’une quelconque structure sur les morceaux rend l’écoute très déstabilisante quand on est pas habitué. D’ailleurs moi-même j’ai du mal avec ces morceaux et je ne prend que peu de plaisir à l’écoute. Alors pourquoi vous en parle-je ? Tout simplement parce qu’à partir d’un certain point de leur carrière, leur son a évolué pour glisser vers quelque chose d’un peu plus structuré et agréable à l’écoute. Un aspect presque pop qui est arrivé dans leur musique à partir de l’album Charlie, et trouvant son paroxysme sur leurs deux derniers albums : Cell-Scape et Bambi’s Dilemna.

C’est d’ailleurs avec ceux-là que j’ai découvert le groupe, et c’est à mon sens les plus intéressants de leur discographie. Qu’on ne s’y trompe pas quand même, j’ai utilisé le terme pop plus haut, mais on en reste quand même super éloigné. Si les morceaux sont plus structurés et un peu plus longs, l’influence noise prime avec une guitare over saturée, des cris remplaçant le chant la plupart du temps, et surtout une impression de gros bordel sonore… Mais cette fois pleinement maîtrisé, et purement jouissif.

Leur myspace
Quelques morceaux sur deezer

Les deux albums sont assez similaires dans leurs sonorités, à quelques différences d’ambiance près. Tide of Stars est plus frénétique et rythmé que son successeur, avec plus de rythmes lorgnant sur la drum’n bass. Il n’en conserve pas moins une ambiance guillerette qui met le sourire aux lèvres avec des mélodies toutes en majeur. C’est un peu en cela l’exact opposé de (Dieu) Amon Tobin, qui utilise lui aussi des rythmiques similaires, mais les allie à des samples plutôt sombres et glauques pour un résultat presque cinématographique. Avec De De Mouse, on se croirait plutôt dans un dessin animé, si on veut garder la comparaison. Sunset Girls est quant à lui plus axé sur les mélodies douces en enjouées, moins dansant mais plus relaxant.

A noter qu’il a également sorti un mini-album du nom de Down Town en collaboration avec le groupe chiptune YMCK (dont vous pouvez apercevoir quelques clips en rotation sur la chaîne Nolife).

On pourra lui reprocher d’être un peu répétitif à la longue, les morceaux se ressemblant un peu tous il est vrai. Mais ce serait bouder son plaisir, et ce serait dommage de passer à côté de cet artiste très prometteur, qui ajoute avec brio une « japan touch » au royaume de l’électronica, qui contient pourtant déjà suffisamment de gens bien barrés (allez, au hasard citons Aphex Twin, Squarepusher, LFO, et bien d’autres encore).

Site officiel

Quelques vidéos :

East End Girl

Baby’s Star Jam (PV)

Light Night Dance @ shinjuku loft
light night dance@shinjuku loft

Live @ Fairground ’07

Aujourd’hui au programme un artiste de musique électronique qui commence à se faire une jolie notoriété à l’international à force de remixer les artistes les plus en vogue actuellement. Shinichi Osawa n’a sorti qu’un album sous son propre nom (The One, en 2007), mais pourtant c’est loin d’être un débutant dans son domaine. Il officiait auparavant sous le pseudonyme de Mondo Grosso, à la base un groupe de musique plutôt orienté acid jazz/funk dans lequel il jouait en temps que bassiste. A la dissolution du groupe peu après leur premier album, notre ami Osawa a gardé le nom du groupe pour sortir ses propres productions, s’orientant petit à petit vers un son plus typé house. C’est en 2007 que s’opère le plus gros changement, l’artiste change de label pour passer chez Avex Trax, un des plus gros labels japonais (Ayumi Hamasaki, BoA, Kumi Koda, etc.), et en profite pour sortir son premier album sous son vrai nom. Un changement qui va de pair avec le son de ce nouvel album, beaucoup plus électro-house et reflétant ainsi la teneur de ses prestations live sous forme de dj-set.

The One donc, est un excellent album dans la plus pure tradition de cette récente mouvance electro-house qui propose une sorte de compromis entre la musique électronique et le rock, avec plus d’utilisation de vrais instruments, et des prestations live plus proches d’un vrai live que d’un enchaînement de disques. Parmi les groupes représentatifs de cette tendance, citons en vrac Soulwax, Digitalism, Justice, Goose, Boys Noize, Van She, The Whip, et encore des centaines d’autres… C’est une grande famille ça de toute façon, la preuve ils se remixent tous. Osawa a remixé Digitalism, Van She a remixé Osawa, Soulwax et Boys Noize ont remixé Justice, et ça continue encore et encore… (non, Françis Cabrel n’a pas été remixé par l’un d’eux à ma connaissance). Et donc forcément, l’album a un son très occidental, et il est finalement assez peu emprunt de culture japonaise, à part sur deux titres : Our Song, le seul de l’album chanté en japonais, et Ami Nu Ku Tuu, qui clôt l’album en douceur et qui contient des instruments traditionnels.

Le reste, c’est du son sacrément puissant, avec de belles montées progressives qui explosent bien comme il faut et qui font secouer la tête avec plaisir. J’ai envie de dire que c’est presque un modèle du genre, tant des morceaux comme Electro411, Maximum Joy ou Last Days sont parfaitement calibrés pour faire exploser une piste de danse. D’ailleurs concernant ce dernier morceau, c’est l’occasion pour l’artiste de rendre un hommage à ceux qui l’ont fortement influencé, en effet Last Days contient un gros clin d’oeil au morceau Idealistic de Digitalism. En outre, le morceau qui débute l’album : Star Guitar, est une reprise du morceau du même nom des Chemical Brothers sur l’album Come with Us.

L’album a été suivi en 2008 par un album de remix nommé sobrement The One+, qui contient des versions arrangées de morceaux de The One par d’autres artistes. Personnellement rien ne m’a touché dans celui-ci, à part la version de Maximum Joy par Van She, mais je suis peut-être juste aveuglé par mon fanboyisme envers ce dernier groupe.

Vous l’avez compris, The One est une petite bombe, un de mes vrais coups de coeur parmi la vague électro-house que je suis pourtant assidûment. A noter que pour ses prestations live, le japonais ne se cantonne pas à son pays natal et nous fait le plaisir de venir en Europe de temps à autre, il est d’ailleurs passé récemment à Paris à l’Elysée Montmartre dans le cadre des soirées NME.

The One sur deezer